Ara Pacis (Katalogreisen, Nr. 4)

Es gibt Museumskataloge, zu deren Lektüre nicht einmal eine Katalogreise motivieren kann. Auf dem römischen Regal bleiben vorläufig ungelesen: die beiden schmalen Bändchen zum Forum Romanum und zum Kolosseum, die eigentlich in die Kategorie Reiseführer gehören; der Führer durch die Domus Aurea, weil ich diese zunächst überhaupt mal besichtigen möchte; und der Katalog des grossartigen Palazzo Massimo alle Terme, der mir jetzt einfach zu gewichtig, zu katalogig ist (und den ich seinerzeit, meinem Italienischen zu wenig vertrauend, auf Englisch gekauft hatte).

Eine Station müssen wir aber unbedingt noch machen in Rom, bevor wir nordwärts weiterreisen, einen Katalog lesen, ein Monument besichtigen: die Ara Pacis Augustae. Jeder Studierende der Klassischen Archäologie hat dieses Denkmal und seine Reliefs vorwärts und rückwärts durchgearbeitet. Allen anderen sei einleitend erklärt, dass es sich um einen Altar handelt, den der Senat 13 v.Chr. zu Ehren des Augustus errichten liess; und weil „Altar“ jetzt nicht gerade umwerfend tönt, sei sogleich präzisiert, dass das Wesentliche an der Ara Pacis ihre Umfriedung ist, eine Art monumentaler rechteckiger Paravent aus Marmor mit reicher Reliefdekoration. Es gibt wenige antike Monumente, die ideologisch, historisch und künstlerisch derart aufgeladen sind wie die Ara Pacis. Anlass für ihre Weihung war Augustus‘ Rückkehr von einer dreijährigen Kampagne nördlich der Alpen, wo er in Iberien, Gallien, der heutigen Schweiz und an der Donau zum Rechten sah und aus Sicht Roms die Periode des augusteischen Friedens einleitete. Die imperiale Propaganda verbreitete das Bild von Augustus als Befrieder des Reiches mittels offizieller Kunstwerke bis in dessen entfernteste Winkel, und Initialzündung und Ausgangspunkt dieser Propaganda war eben der Altar, der dieser Pax Augusta geweiht wurde. Der Botschaft und dem Geehrten angemessen gehören die Reliefs der Umfriedung zu den besten Stücken der römischen Kunst: Im unteren Register ranken sich Akanthus, Palmetten und Blüten; Eidechsen und Skorpione huschen durch das lebendige Grün. Darüber stehen römische Gründungsmythologie und göttliche Symbolik, und über die beiden Schmalseiten schreitet gewichtig eine Prozession (zum Altar hin, mag man sich denken), in der die höchsten geistlichen und weltlichen Würdenträger Roms erkennbar sind (und unter denen die erwähnten Studierenden jeweils auch noch die Grossneffen dritten Grades von Augustus zu identifizieren haben).

Zur künstlerischen Qualität und zum ideologischen Gewicht kommt die bewegte Fundgeschichte der Ara Pacis. Im sechzehnten Jahrhundert tauchten erste Fragmente auf dem Kunstmarkt auf, gelangten in bedeutende Sammlungen. Da der Altar jedoch unter den Fundamenten eines Palazzo lag, waren systematische Ausgrabungen schwierig, bis es einigen Haudegen der 1930er Jahre gelang, 600 Kubikmeter Untergrund einzufrieren, um die Reste der Ara Pacis gefahrlos unter dem Palast herauszuholen. Auftraggeber der archäologischen Kommandoaktion war ein alter Bekannter, Benito Mussolini, der seine eigenen imperialen Ansprüche regelmässig durch ausführliche Rückgriffe auf die Antike ideologisch untermauerte. Zur Zweitausendjahrfeier von Augustus‘ Geburt 1937 wollte der Duce die Ara Pacis rekonstruiert haben, was in einem in aller Eile errichteten Pavillon am Tiberufer auch tatsächlich gelang. Das Providurium musste erst vor wenigen Jahren einem Neubau weichen, einem beeindruckenden Monument von Richard Meier (darunter macht mans nicht), das jetzt den Altar und seinen Kontext mustergültig präsentiert.

Glücklich der Archäologe, der zu einem solchen Denkmal den Katalog schreiben darf! Das Material ist überschaubar genug, dass man bei der Beschreibung ins Detail und daneben in die Breite und Tiefe gehen, Bau- und Grabungsgeschichte rekonstruieren, Verwandtes und Ergänzendes referieren kann. Orietta Rossini hat sich für den offiziellen Führer der Aufgabe gewachsen gezeigt. Ihr Buch, eher eine Monografie denn ein Katalog zu nennen, überzeugt durch seine Systematik, den gelehrten, verständlichen Text, die Auswahl verwandter Themen, zu denen ein Kurzabriss von Augustus‘ Rechenschaftsbericht Res Gestae gehört, und durch die opulente, präzise und detailgetreue Bebilderung. Die endlosen Hypothesen darüber, welche Verwandten von Augustus wo genau in der Prozession dargestellt sind, kann der Nicht-Archäologe ja grosszügig überfliegen. So liest sich das gewichtige, fast furchteinflössende Werk erstaunlich leicht und vergnüglich, und beschwingt verabschieden wir uns vom imperialen Rom heimwärts.

Technisches: Orietta Rossini, Ara Pacis. Milano, Einaudi ²2007. ISBN 978 88 370 5367 3. Beim Stöbern in meiner Bibliothek fiel mir ein Vorvorgänger dieses neuen Katalogs in die Hände, Die Ara Pacis Augustae von Giuseppe Moretti (Deutsch von Ernst Hohenemser) von 1938 aus der Reihe der Führer durch die Museen und Kunstdenkmäler Italiens. Das kleine Heftchen bot eine angenehme Zusammenfassung zum Abrunden, ist jedoch vor allem wegen zweier Kuriositäten erwähnenswert: wegen der Preisetikette von 250 Lire und wegen des Datums auf dem Titelblatt: A. XVII E.F. – ja genau, im Jahre 17 der faschistischen Ära. Die anderen erwähnten Führer: Paola Guidobaldi, Il Foro Romano. Milano, Electa ²2004. ISBN 88 435 6333 5. Letizia Abbondanza, Le Colisé. Traduction de Jérôme Nicolas. Milano, Electa ²2005. ISBN 88 435 8226 7. Elisabetta Segala, Ida Sciortino, Domus Aurea. Traduction de Jérôme Nicolas. Milano, Electa ²2005. ISBN 88 370 4107 1. Adriano La Regina (ed.), Museo Nazional Romano, Palazzo Massimo alle Terme. English Edition. Milano, Electa 1998. ISBN 88 435 6584 2.

Kapitolinische Museen (Katalogreisen, Nr. 2)

Unerwähnt und ungeklärt geblieben ist auf der ersten Etappe der Katalogreisen, weshalb sich bei mir die Kataloge und Führer dermassen stapeln. Auf die Frage werden wir im Reiseverlauf noch das eine oder andere Mal im Detail zurückkommen, aber ursprünglichster und edelster Grund ist zweifellos, dass ich mir als Archäologie-Student eine anständige Handbibliothek anlegen wollte. Wenn immer ich also das Glück hatte, eines der grossen Häuser dieser Welt zu besichtigen, war der Besuch im Shop obligatorisch und diente der Dokumentation des eben Gesehenen. Überdies waren mit den Kameras, die wir damals hatten, ohne Blitz und Stativ kaum passable Bilder zu erreichen. So liess ich das Fotografieren bald bleiben, konzentrierte mich aufs Sehen und nahm das Bildmaterial in gedruckter Form nach Hause.

Case in point: die kapitolinischen Museen in Rom, eine der Referenzsammlungen für den Studenten der Klassischen Archäologie (und nach dem Filialmuseum Centrale Montemartini hier die logische nächste Reiseetappe). Ich gestehe freilich, dass ich das Haus erst gesehen habe, als ich schon gar nicht mehr Student war, aber der Reflex blieb (und bleibt) der gleiche. Der erneute Griff zum Katalog zehn Jahre später macht allerdings auch gleich zwei Nachteile des Unterfangens Katalogreisen deutlich. Der erste ist die Übersetzung. Wenn auch der Katalog des Kapitols nicht mit jenen traurig bekannten, stilblütenreichen deutschen Versionen italienischer Touristenführer zu vergleichen ist, hätte man sich doch häufig gewünscht, die Übersetzerin würde vom komplexen, verschnörkelten Stil des Originals ein paar Ecken abschneiden. Es ist alles richtig, aber vieles etwas schwerfällig. (Und im Nachhinein erscheint es mir als glückliche Fügung, dass ich in der Centrale Montemartini direkt die italienische Version gekauft hatte.)

Gewichtiger, aber zugleich fast unvermeidlich, ist der zweite Nachteil: Ein Museumskatalog, der seinem Namen Ehre macht, kann keine besonders spannende Lektüre sein. Die detaillierte, fachlich korrekte und deshalb notwendigerweise trockene Beschreibung aller (oder doch der wesentlichsten) Stücke des Hauses mit all ihren technischen Details reisst niemanden wirklich vom Hocker. Ein solcher Katalog hat seinen eigentlichen Platz folgerichtig nicht auf dem Tischchen neben dem Lesesessel, sondern eben in der erwähnten Referenzbibliothek, wo er bei konkreten Fragen konsultiert wird. Entsprechend habe ich im Katalog der kapitolinischen Museen die Objektbeschreibungen nur kursiv gelesen, die Abfolge der unzähligen Umbauten und Neueinrichtungen zügig überflogen. Ungemein lehrreich war es jedoch, die Rolle des Kapitols in der Geschichte der Stadt Rom dargelegt zu bekommen. Auf die zentrale Funktion des Hügels als heilige Akropolis der Urbs und des gesamten Römischen Reichs griffen im Mittelalter die Römer gezielt zurück, als sie die politischen Einrichtungen ihrer entstehenden Stadtgemeinde ebendort ansiedelten; und so wurde das Kapitol zum symbolischen Austragungsort der Konflikte zwischen Stadt und Papst. In diesem Kontext entstand das Kapitolinische als ältestes öffentliches Museum der Welt, begründet durch die Schenkung der Bronzestatuen aus dem Lateran durch Sixtus IV. im Jahr 1471 – subtile Demonstration des Anspruchs auf Kontinuität zwischen Römerreich und Papsttum im Gewand eines grosszügigen Geschenks.

Technisches: Margherita Albertoni et al., Kapitolinische Museen. Übersetzung Maria Böhmer. Milano, Electa 2005. ISBN 88 435 7514 7. Leider ist mein Bericht veraltet: Kurz nach meinem Besuch wurde dieser Führer durch eine Neuauflage ersetzt und ist deshalb nicht mehr erhältlich.

Centrale Montemartini (Katalogreisen, Nr. 1)

Zum Glück dauert der Vaterschaftsurlaub auf diesem Blog ein paar Monate und nicht nur eine Woche wie im richtigen Leben: Zeit für Unmittelbareres als Theater, Packenderes als Bücher, Lehrreicheres als Museen. Allmählich schaufle ich mir in einem intensiven Stundenplan wieder gelegentlich einen Moment für mich selber frei. Und habe so Zeit gefunden für eine neue Idee, die aus der Not eine Tugend macht: Da ich in den nächsten Jahren nicht mehr so viel und auch nicht mehr gleich in Europa herumkommen werde wie bis anhin, reise ich stattdessen virtuell. Das Material dafür steht laufmeterweise in den Regalen hinter mir – all die Führer und Kataloge, denen ich in den Museumsshops dieser Welt selten widerstehen kann. Wann, wenn nicht jetzt, ist der Zeitpunkt, in ihren Seiten alte Erinnerungen aufzufrischen und all das zu lernen, das in der (oftmals leider) Eile des Besuchs übersehen und überlesen wurde?

Eine eher wenig bébétaugliche Destination macht den Anfang meiner Katalogreisen: Rom. Veteranen des Blogs erinnern sich an meinen hymnischen Bericht aus der Centrale Montemartini, dem zum archäologischen Museum gewordenen Elektrizitätswerk im Industriegebiet der Via Ostiense. Allein die Erinnerung macht gute Laune und motiviert, den stattlichen Katalog zur Hand zu nehmen – der sich als Glückstreffer erweist: Viel eher als ein Museumskatalog ist das nämlich ein Buch über die grossen römischen Ausgrabungen vom Ende des 19., Anfang des 20. Jahrhunderts und ihren museologischen Niederschlag. In die Centrale Montemartini, erfahre ich, sind nicht einfach querbeet ein paar Statuen aus den Kapitolinischen Museen ausgelagert worden, sondern in erster Linie die Früchte jener umfangreichen Ausgrabungen, welche die urbanistischen Umwälzungen des zur Hauptstadt Italiens gewordenen Roms so gut wie möglich begleiteten. So viel bedeutender Boden wie weltweit niemals sonst wurde da in kurzer Zeit umgegraben, weite Teile der Stadt innerhalb der Mauern; darunter insbesondere am Pincio und auf dem Esquilin Gegenden, in denen die Villen der Reichsten mit ihren weitläufigen Gartenanlagen protzten. Den künstlerischen Reichtum, der da ans Licht kam, kann man sich ansatzweise vorstellen; und man muss den Archäologen jener Zeit einen dicken Kranz winden, dass sie in aller Eile mit unermüdlichem Einsatz wenigstens so viel gerettet haben, wie möglich war. Auf dem Kapitol waren die schönsten Stücke seinerzeit nach Gattungen geordnet präsentiert worden. Erst die Neuaufstellung rund um die Maschinen der Centrale Montemartini hat die für das Verständnis so eminent wichtigen Fundkomplexe wieder zusammengefügt – die republikanischen Grabkomplexe im Untergeschoss, das monumentale Zentrum im Maschinensaal, die horti der prächtigen Villen im Kesselraum.

Das alles erläutert gelehrt und verständlich der vorbildliche Führer und präsentiert dazu fast beiläufig die wichtigsten Werke in Text und schönem Bild. Das Ziel war eindeutig nicht die vollständige Dokumentation der im Museum versammelten Kunstwerke, sondern waren die grossen Linien; und mithin ist das Buch für den Katalogreisenden eine ideale, weiterbildende Lektüre. Ich gestehe verschämt: Diese grossen Linien hatte ich bei meinem Besuch schlicht übersehen; meine fehlenden Grundlagen in stadtrömischer Urbanistik taten das Ihrige. Die Versäumnisse sind nachgeholt, die Lücken gestopft; Gott sei Dank gibt es Museumskataloge…

Technisches: Marina Bertoletti, Maddalena Cima, Emilia Talamo: Centrale Montemartini. Milano, Electa 2007. ISBN 978 88 370 4622 4. Der Katalog ist auf Italienisch und Englisch erhältlich, wir hatten uns standesgemäss für ersteres entschieden.

Kapitale Erfindungen

Das Landesmuseum Zürich beweist wissenschaftliche Kühnheit, ein so gewichtiges und spannendes, aber komplexes und wenig anschauliches Thema wie die Herausbildung des Kapitalismus in einer Sonderausstellung umzusetzen: Kapital. Kaufleute in Venedig und Amsterdam. Zu ihren Blütezeiten im Mittelalter beziehungsweise in der frühen Neuzeit wurden in diesen beiden Städten wesentliche Elemente unserer heutigen Wirtschaftsordnung entwickelt. In Analogie zur kulturell-literarischen Klassik liesse sich von einer „ökonomischen Klassik“ sprechen, um das fruchtbare, komplexe Zusammenspiel einer jeweils idealen geografischen Lage, einer atypischen politischen Situation, einer kreativen Denkweise und weiterer Einflüsse zu charakterisieren. Das führte zur Entstehung von neuen und bis heute unabdingbaren Konzepten und Finanzierungsmodellen, zur scharfen Konzentration aller staatlichen und privaten Anstrengungen auf den Handel sowie zu unermesslichem Reichtum – in erster Linie für die führenden Familien, aber in beschränktem Mass auch für eine entstehende, schmale Mittelschicht. Und mit dem Verlust der günstigen Rahmenbedingungen ging in Venedig wie in Amsterdam ein gleiches Symptom für den Niedergang einher: der Abschied der Kaufleute vom risikoreichen Handel und der Rückzug auf den Genuss ihres Vermögens. Parallelen zur Gegenwart werden am Schluss mit einem unerwarteten Schwenk auf China explizit angedeutet, sind aber in der ganzen Ausstellung präsent.

Soviel zum Thema. Nun soll ein Museum aber Geschichte anhand von Gegenständen erzählen; wer es besucht, will keine Texte lesen, sondern Objekte sehen und dann den notwendigen Kontext dazu erfahren. Es zeigt sich, dass das bei diesem Thema kaum möglich ist. Die Ausstellungsmacher haben zwar grosse Kreativität bewiesen und kaum einen Aufwand gescheut: Beispielsweise haben sie das halbe Museo Correr aus Venedig als Leihgabe nach Zürich geholt. (Aus den eigenen Beständen des Nationalmuseums konnte zu diesem Thema kaum etwas beigesteuert werden.) Viele der gezeigten Gegenstände haben jedoch nur eine entfernt illustrative Funktion und stehen deshalb etwas verloren da. Und viele spektakuläre Stücke sind nur als Kopien zu sehen – punktuell zwar akzeptabel, aber für ein Museum eigentlich ein Unding. Nur einige wenige Objekte haben ein echtes Wow-Erlebnis erzeugt: Eindrücklich sind etwa die kürzlich wiederentdeckte älteste Aktie der Welt, oder die detaillierten Modelle der Brenta-Villen, starke Symbole für den Rückzug der reichen Venezianer ins Private in der Zeit des Niedergangs. Doch lässt sich im Ganzen nicht überdecken, dass die Texte und Filme der zentrale Inhalt der Ausstellung sind. Die sind freilich magistral, auf den Punkt formuliert, in der richtigen Länge und Ausführlichkeit, im besten Sinne didaktisch. Aber soll man deswegen nach Zürich reisen?

Die Frage ist umso berechtigter, weil das Landesmuseum zu seiner Ausstellung den vielleicht genialsten Katalog veröffentlicht hat, der mir bislang unter die Augen gekommen ist: Für zwanzig Franken erhält man ein kleines (Reclam-Format), hochwertiges Bändchen, gebunden, mit goldfarbenem Umschlag und Lesezeichen, das neben Einleitung und ausführlichem Glossar auf 270 Seiten genau vier Essays enthält, zwei zu Venedig, zwei zu Amsterdam. Die Texte sind meisterhaft geschrieben, lesen sich flüssig und logisch, bieten mit sicherer Hand die Einordnung und die Gesamtsicht, welche die Ausstellung nicht in dieser Konsequenz leistet. Ich habe es noch auf der Rückfahrt begonnen und mühelos praktisch in einem Zug gelesen. Und wenn ich wählen müsste zwischen dem Ausstellungsbesuch und der Kataloglektüre, würde ich mich ohne Zögern für letzteres entscheiden.

Technisches: Die Ausstellung „Kapital. Kaufleute in Venedig und Amsterdam“ ist im Landesmuseum Zürich noch bis am 17.02.2013 zu sehen. Im Eintrittspreis von 10 Franken ist neben den Sonderausstellungen auch die spektakuläre Dauerausstellung inbegriffen. (Bernisches Historisches Museum, hörst du mich? Dagegen siehst du mit deinen Fantasiepreisen ziemlich alt aus.) Der Katalog: Walter Keller (Hrsg.), Kapital. Kaufleute in Venedig und Amsterdam. Zürich, Kein&Aber 2012. ISBN 978 3 0369 5653 4.

In Marmor gehauen

Von Tinos-Stadt fuhren wir auf die neue Umfahrungsstrasse hinauf, liessen die Wallfahrtskirche der Panagia links liegen, schlängelten uns in waghalsigen Serpentinen die steilen Hügel hinan, fuhren auf einer wunderbaren Strasse mit Panoramablick auf Syros gegen Nordwesten, überquerten einen letzten hohen Pass und parkierten am Dorfeingang von Pyrgos. Über marmorgepflästerte Wege, vorbei an schmucken Fassaden, erreichten wir die von einer enormen Platane beschattete Platia, stiegen am Brunnenhaus vorbei hoch, gelangten am Dorfrand zum Friedhof, einer regelrechten Freilichtausstellung des lokalen Marmorhandwerks, und kamen gleich dahinter bei einem modernen Gebäudekomplex aus Bruchsteinen und Sichtbeton an, dem Museum für Marmortechnik. Die Kulturstiftung der Piräusbank hat in den letzten Jahren über ganz Griechenland verteilt ein preisgekröntes Netzwerk von Museen geschaffen, die landwirtschaftliche Kultur, traditionelles Handwerk und industrielle Entwicklung dokumentieren. So steht in Volos das Ziegeleimuseum Tsalapatas, und auf Chios wird eines über den Mastix eingerichtet. Das Museum, das sich mit Abbau und Kunsthandwerk des Marmors befasst, ist nicht ganz zufällig auf der Kykladeninsel Tinos gelandet: Sie ist eines der Zentren der Marmorverarbeitung, und das Dorf Pyrgos mit seiner Kunstgewerbeschule, seinen Marmorwerkstätten und seinen Künstlern ist unbestrittener Leuchtturm des Handwerks.

Wer die durchschnittlichen archäologischen Provinzmuseen in Griechenland kennt, jene gefängnisgleichen Betonbauten, wo vor abblätterndem hellblauem Putz ein paar Vasen und Statuen aufgereiht stehen, im Idealfall knapp beschrieben auf winzigen, maschinengetippten Kärtchen, wenn dieselben nicht schon den Gesetzen der Schwerkraft gefolgt sind und irgendwo unten in der Vitrine liegen; wer also mit dem Stand der Museologie in Griechenland vertraut ist, wird im Marmormuseum ausgesprochen positiv überrascht. Dieses Haus erfüllt mit Bravour die diffizile Hauptaufgabe eines Museums, dem Besucher in überblickbarer Zeit (wir waren kaum eine Stunde dort) wesentliches Wissen begreiflich zu machen. Im Zentrum stehen zwei grosse Dioramen: ein Steinbruch und eine Bildhauerwerkstatt. Der Blick gleitet über anstehenden Fels und Marmorblöcke, über Werkzeuge und Hilfsmittel; das Verständnis beginnt, sich Bahn zu schaffen, wird dann unterstützt und ergänzt durch Fotos, Videos und knappe, aber präzise Erklärungen. Die Objekte sind mit Bedacht ausgewählt und nicht selten spektakulär wie der Schwenkkran auf dem Vorplatz oder die Detailpläne für reich dekorierte marmorne Ikonostasen. Industrielle und kleinhandwerkliche Marmorförderung werden gegenübergestellt; Archivmaterial macht Familientraditionen und die Organisation des Kunsthandwerks verstehbar, und auch die typischen tiniotischen Oblichter fehlen nicht.

In dieses Haus sind sichtbar viel Geld, Wissen und Aufmerksamkeit geflossen, und der Aufwand hat sich gelohnt. Gereicht hat es zudem für einen ausführlichen, aber dennoch handlichen Museumsführer, der einem die Lektion zuhause nochmals in Ruhe durchlesen lässt. Für zukünftige Ausflüge in Griechenland empfiehlt sich auf jeden Fall der Blick auf die Museumskarte der Piräusbank.

Technisches: Tinos erreicht man täglich mit Fähren von Piräus und Rafina aus, wobei man Wochenenden und Marienfeste wegen der Pilgermassen besser meidet. Von Tinos-Stadt aus gelangt man mit dem Bus (wenige Verbindungen täglich) oder mit dem Mietauto wie im Artikel beschrieben in den Inselnorden. Pyrgos lohnt auch wegen seiner schönen Gässlein und seiner anderen Museen den Besuch. Zum Mittagessen empfiehlt sich ein Abstecher ans Meer hinunter in den Fischerhafen Ormos Panormou.

Freiburger Klassik

Freiburg ist nicht Weimar und schon gar nicht Athen. Aber es gibt wohl in der Geschichte jeder Stadt Perioden, die etwas Klassisches an sich haben; Zeiten, in denen die politischen, gesellschaftlichen und kulturellen Umstände sich gegenseitig so in die Hände spielen, dass künstlerische oder denkerische Genialität in hoher Dichte aufleuchten kann. Eine solche Zeit war für Freiburg die erste Hälfte des 16. Jahrhunderts, wo in der Stadt ein intensives, hochstehendes und unerwartet gut erhaltenes Skulpturschaffen stattfand. Fünf Bildhauerwerkstätten waren teils neben-, teils nacheinander in der Stadt aktiv: diejenige des nicht namentlich bekannten „Meisters der grossen Nasen“, diejenigen von Martin Gramp, Hans Roditzer, Hans Geiler und (als letztem, alle überstrahlend) Hans Gieng. Alle Meister waren wohl aus dem süddeutschen Raum, damals das Zentrum der Bildhauerkunst, ins Uechtland gezogen und fanden dort Arbeit, Brot und bescheidenen Ruhm.

Wohlgemerkt: Erwähnenswert ist nicht die Tatsache, dass es in Freiburg Bildhauer gab. Solche gehörten für eine Stadt ab einer gewissen Grösse jahrhundertelang zum unverzichtbaren Personal, galt es doch, profane und geistliche Gebäude gleichermassen plastisch auszuschmücken: Stadttore, Repräsentationsbauten und beispielsweise Brunnen bedurften einer Ikonografie der Macht, und in den vielen Kirchen verlangten dutzende von Altären nach Ausstattung mit Statuen und Reliefs. Machtbewusste Bürger und Magistraten, fromme Bruderschaften, ehrgeizige Pröpste, Äbte und Kapitularen waren die grosszügigen und wohl kalkulierenden Auftraggeber. Erwähnens- und dokumentierenswert ist vielmehr, dass das kleine Freiburg über fünfzig Jahre keine Dutzendware, sondern eine so hochstehende Skulpturenproduktion hervorbrachte. Die Gründe für diese kleine Freiburger Klassik sind natürlich vielfältig. Reichtum und Einfluss der Stadt wuchsen durch ihre territoriale Expansion (sprich Eroberungen) zu Beginn des 16. Jahrhunderts beträchtlich an. Die städtischen Eliten waren international gut vernetzt. Auch der Statusgewinn der Stadtpfarrei spielte eine Rolle, der durch die päpstliche Errichtung des Stiftskapitels zu Sankt Nikolaus vor genau 500 Jahren gekrönt wurde. Nicht zu vergessen sind ferner die Konsequenzen der Reformation im näheren Umkreis: Das bilderstürmerische Bern hatte zwar die entsprechenden Fachkräfte vertrieben, war aber für profanen Schmuck weiterhin auf Bildhauer angewiesen. So schuf denn Hans Gieng die berühmten Berner Brunnenstöcke – womit zuletzt auch die wichtigste Ingredienz solcher Glanzzeiten erwähnt ist, das künstlerische Genie.

Die Freiburger Skulptur der Jahrzehnte nach 1500 war in den letzten Jahren Gegenstand eines umfangreichen Nationalfondsprojekts. Erarbeitet wurde nichts weniger als ein Catalogue raisonné, ein imposantes Werk in zwei Bänden, dazu gewissermassen als populärwissenschaftliche Ergänzung ein etwas zugänglicherer Bildband: Skulptur 1500. Freiburg im Herzen Europas. Und da man Statuen am besten in echt betrachtet, analysiert und vergleicht, trug das Musée d’art et d’histoire Fribourg einen Grossteil der erhaltenen Werke der fünf erwähnten Meister aus Kirchen, Kapellen, Klöstern und eigenen Beständen zu einer Überblicksausstellung zusammen. Beides zusammen bot eine Einführung in diese Freiburger Klassik und ermöglichte eine vergleichende Würdigung dieser verstreuten und oft übersehenen Werke.

Ausstellung wie Bildband schienen freilich auf den ersten Blick etwas unklar gegliedert. Im Museum starteten wir in einem grossen, reichen Raum, von der Fülle der Retabel fast erschlagen, während andere Statuen und Details einzelne Aspekte vertieften. Erst im zweiten Teil wurden die Techniken erläutert und die fünf Werkstätten vorgestellt und charakterisiert. Dem optischen Genuss tat dies keinen Abstrich, aber umgekehrt wäre mir logischer erschienen. Das Buch ist in drei Kapitel gegliedert: „Mit Bildern leben“, „Wie die Statuen entstanden“ und „Reichtum, Ansehen, Macht“. Der Erzählfaden beginnt bei den in der Stadt sichtbaren Skulpturen, vor allem den Brunnen, geht dann zu den Heiligenfiguren und Retabeln über, um dann mittendrin die Akteure vorzustellen, nämlich sowohl die wichtigen Auftraggeber als auch die Künstler und ihre Technik, und zum Schluss auf die Selbstdarstellung von Zünften, Klerus und Obrigkeit mittels Skulpturen zu sprechen zu kommen. Ich fand das etwas zufällig, hätte das ganze vermutlich anders arrangiert, muss aber nach der Lektüre unumwunden zugeben, dass diese Gestaltung Sinn und ein Ganzes ergibt, vor allem, wenn sie in einem Schwung gelesen wird – was wiederum eigentlich nicht schwierig ist, da das Buch in erster Linie ein Bilderbuch ist und an einem ruhigen Abend ohne weiteres bewältigt werden kann. Zum Gesamtkatalog kann ich mich nicht äussern, da ich diesen aus Mangel an Regalplatz und spezifischem Interesse nicht beschafft habe. Bildband und Ausstellung hingegen ermöglichten dem breiten Publikum einen kompakten Einblick und schufen ein umfassendes Verständnis.

Technisches: Die Ausstellung „Sculpture 1500“ war im MAHF vom 14.10.2011 bis zum 19.02.2012 zu sehen gewesen. Die Begleitpublikation ist sowohl auf Deutsch (hier zitiert) als auch auf Französisch erschienen: Jean Steinauer et al., Skulptur 1500. Freiburg im Herzen Europas. Fotografien von Primula Bosshard, Übersetzung von Hubertus von Gemmingen. Baden, hier+jetzt 2011. ISBN 978 3 03919 227 4. Der Gesamtkatalog ist im Imhof-Verlag erschienen: Stephan Gasser, Katharina Simon-Muscheid, Alain Fretz und Primula Bosshard (Fotos): Die FreiburgerSkulptur des 16. Jahrhunderts. Herstellung Funktion und Auftraggeberschaft. Band 1: Text, Band 2: Katalog. Petersberg, Michael Imhof Verlag 2011. ISBN 978 3 86568 626 8.

Geschacher um Sarpedon

Im Mittelpunkt dieses Beitrags hätte der Krater des Euphronios mit Eros und Thanatos stehen sollen, die den toten Sarpedon aus der Schlacht tragen: vielleicht die schönste bekannte griechische Vase, ein Meisterwerk der Kunstgeschichte – und zentrales Objekt eines Kunsthandelsthrillers, packender als jede Fiktion. Wer sich mal ein Stündchen gut unterhalten will, dem sei die mitreissende Aufzeichnung dieser Verwicklungen durch Thomas Hoving herzlichst empfohlen, dem damaligen Direktor des Metropolitan Museum of Art. Ihm wurde nämlich dieses Meisterstück im Herbst 1971 vom bereits damals skandalumwitterten Antikenhändler Robert Hecht angeboten. Hecht machte vage Andeutungen zur herausragenden Bedeutung und zum exorbitanten Preis einer bislang unbekannten Vase vorerst unklarer Provenienz und lud zur Besichtigung in Zürich ein (of all places). Kann man „Grabraubgut“ noch deutlicher schreiben? Hoving, der sich damals stark für einen Ehrenkodex der Antikenmuseen zum Umgang mit Antiquitäten zweifelhafter Herkunft engagierte, war natürlich auf der Hut. Er beschreibt aber auch offen, wie absolut rettungslos ihn der Krater faszinierte, als er ihn zum ersten Mal zu Gesicht bekam – und wie erleichtert, als Hecht Nachweise für die Provenienz des Kunstwerks aus altem Privatbesitz lieferte, die sich zuerst zwar etwas unglaubwürdig anhörten, sich aber nach und nach unter dem prüfenden Blick der italienischen Justiz und der Presse erhärteten. Hoving handelte den Kaufpreis auf eine Million Dollars herunter, zahlte, und der Krater kam nach New York.

Dabei hätte es bleiben können, wenn Hecht wirklich ein anständiger Händler gewesen wäre. War er aber nicht: In jenem Herbst 1971 gingen nämlich nicht ein, sondern unglaublicherweise gleich zwei Kratere von Euphronios durch seine Hände, beide in Scherben: einer aus libanesischem Privatbesitz, der andere aus der illegalen Ausgrabung eines etruskischen Grabes bei Cerveteri. Sein Geniestreich war es, letzteren mit der Provenienzdokumentation des ersteren zu adeln und ihn so vermeintlich gefahrlos auch einem kritischen Kunden, nämlich einem renommierten Museum, zu verkaufen. Und da nun Italien seit einigen Jahren eine intensive Kulturaussenpolitik betreibt, um den Antiquitätenschmuggel zu beleuchten, zu denunzieren, und um Kunstwerke zu repatriieren, die ganz offensichtlich unrechtmässig das Land verlassen haben, wurde alsbald der zweite Akt des Thrillers geschrieben, der (für mich reichlich überraschend, siehe z.B. die Parthenonskulpturen) damit endete, dass der Euphronios-Krater an den italienischen Staat zurückgegeben wurde. Mit Pomp und Prominenz wurde das gute Stück willkommen geheissen und fand seinen ihm zustehenden Platz im Museo nazionale etrusco in der Villa Giulia in Rom.

Damit rückte dieses Meisterwerk für mich sozusagen in Griffweite und ein Besuch der Villa Giulia ins Pflichtprogramm für die nächste Romreise. Im Oktober des letzten Jahres war es endlich so weit. Doch dann: Als wir zur Kasse der Villa Giulia kamen, begrüsste uns ein Plakat mit der Information, dass der Krater des Euphronios zurzeit nach Venedig ausgeliehen sei, an die Ausstellung I Carabinieri per l’arte. Tessere di un patrimonio recuperato… Ich hätte das gesamte Personal samt Putzfrau würgen können, aber die gute Erziehung machte sich glücklicherweise noch rechtzeitig bemerkbar, und wir lösten artig zwei Eintritte. Tatsächlich lohnte sich der Besuch auch ohne Euphronios, mindestens im kürzlich neugestalteten ersten Teil. Das Ordnungsprinzip ist dort der Fundzusammenhang der Objekte, sind die einzelnen etruskischen Siedlungen und Nekropolen. Dennoch gelingt den Gestaltern eine klare, verständliche Darstellung der Epochen und Stile, und ich muss gestehen, dass wir etliche Meisterwerke entdecken konnten. Deutlich mühsamer und anstrengender war dann die zweite, noch nicht aktualisierte Partie der Villa Giulia, wo in nicht enden wollenden Räumen randvolle Vitrinen im Sechziger-Jahre-Design dumpf aufeinander folgten. Und in sträflicher Nonchalance haben es die Verantwortlichen fertig gebracht, das Highlight des Hauses (jedenfalls für mich) sehr effizient zu verstecken: In einem kleinen, düsteren Nebenraum standen drei Vitrinen wie zwischengelagert eng aufeinander, von wenigen Spots halbbatzig beleuchtet – und erst im letzten Moment, schon beim Herausgehen, entdeckte ich in der einen von ihnen die Olpe Chigi, Meisterwerk der korinthischen Vasenmalerei und seinerzeit Stammgast in meinen archäologischen Vorlesungen.

Bei solchen und ähnlichen Erlebnissen bin ich durchaus versucht, mich zu fragen, ob es wirklich Sinn macht, einem Staat Kunstwerke zurückzugeben, der mit seinen eigenen Schätzen so lieblos umgeht. Aber als Schweizer hält man bei dieser Thematik wohl besser den Mund. Nichts hätte dies treffender illustrieren können als der grosse Saal neben der erwähnten Abstellkammer. Dort wird anscheinend ein neuer Ausstellungsteil zum Thema Kunstraub und Kunsthandel aufgebaut, und bereits sind da einige in den letzten Jahren wiedergefundene Objekte höchster Qualität versammelt. Eine besonders unrühmliche Rolle spielt dabei das Zollfreilager Genf – was mich unweigerlich wieder einmal zu der Frage führt, weshalb die offizielle Schweiz während Jahrzehnten nicht nur nichts gegen den internationalen Kunstraub unternahm, sondern ihn durch spezielle Gesetze sogar noch aktiv beförderte. Da ist viel Unheil angerichtet worden, und Patentrezepte gibt es keine. Eines immerhin zeigen das Schicksal des Euphronios-Kraters, aber auch die aktuellen Prozesse gegen der erwähnten Robert Hecht oder die Getty-Kuratorin Marion True: Das Bewusstsein für das Unrecht steigt.

Technisches: Das Museo nazionale etrusco befindet sich in der Villa Giulia, der ehemaligen Sommerfrische von Papst Julius III. am Nordrand der Villa Borghese. Von der Piazza del Popolo (Metro A, Flaminio) ist das ein angenehmer Spaziergang; man kommt aber auch mit Bus 19 oder Tram (Bus) 3 bis fast vor die Tür. Nur erkundige ich mich nächstes Mal vielleicht vorher, ob das Objekt meiner Begierde im Haus ist…

Die Schweiz inszenieren

Letztes Jahr bot uns ein Ausflug nach Zürich die Gelegenheit, endlich einmal die neu gestaltete Dauerausstellung des Landesmuseums anzuschauen. Wie jeder brave Schweizer Schulbub hatte ich die weihevollen Hallen unseres nationalen Museums als Kind zwei-dreimal mit gehörigem staatsbürgerlichem Respekt durchschritten. Respekt erheischt das Schloss beim Zürcher Hauptbahnhof weiterhin, auch wenn die neue Präsentation sehr zugänglich ist. Und an einige Eindrücke aus meinen Kindheitsbesuchen wurde ich auf dem historischen Rundgang ganz zwangslos da und dort wieder erinnert – so im ausführlichen Abschnitt über die Reformation, wo die wohl bekanntesten Reliquien des Hauses, Helm und Schwert von Zwingli, ihren gebührenden Raum einnehmen. Zuvor wird in aller Kürze, aber mit edelsten Objekten das christliche Mittelalter veranschaulicht; zuletzt leitet der Aufstieg der Schweizer Industrie in die Zeitgeschichte über. Und wie es inzwischen Mode ist, werden nach dem ersten, chronologischen Teil die überreichen kunsthistorischen Bestände an Skulptur, Malerei, Kunsthandwerk in ihrer ganzen Masse eindrücklich und sehr gekonnt präsentiert. Mangels Zeit und Energie konnten wir diese reiche Fülle gar nicht mehr im Detail betrachten.

Im Zusammenhang mit der Neueröffnung hatte ein Detail einiges an Polemik im rechten politischen Spektrum entfesselt: Die mit dem simplen (geklauten) Satz „Niemand war schon immer da“ gemachte Feststellung, dass viele bedeutende Schweizerinnen und Schweizer ursprünglich gar keine solchen waren. Das Landesmuseum als Propagandaschleuder? Gemach. Das Einführungskapitel in die Dauerausstellung stellte einzig die – in diesem Zusammenhang nicht nur berechtigte, sondern selbstverständliche – Frage, wer denn die Menschen waren, die früher auf dem Gebiet der heutigen Schweiz wohnten, und woher die kommen, die jetzt hier sind. Diese doppelte Frage gibt einerseits Anlass zur gerafften Präsentation der Frühgeschichte und Antike, anderseits zu ein paar Feststellungen über die heutige Bevölkerung. Dass eine nationale Selbstbildvermittlungsinstitution dabei die Gelegenheit ergreifen muss, Vorurteile zu berichtigen und unbekannte Aspekte in die Diskussion einzubringen, erscheint mir naheliegend; es wäre sogar möglich gewesen, auf die Konstruktion (und Konstruiertheit) der nationalen Identität noch expliziter einzugehen. Aber der Teil über die Schweiz und die Schweizer ist ohnehin nicht der politischste Teil der Ausstellung. Das eigentliche politische Statement ist die Ausführlichkeit, mit welcher die spannendsten fünfzig Jahre der Schweizer Geschichte inszeniert sind, die Epochenwende zwischen dem Ende des Ancien Régime und der Verfassung von 1848. Für mich ist das die Schlüsselperiode der Schweiz. Unerträgliche Spannungen hatten sich im kurzen Bürgerkrieg entladen – und danach schafften echte Patrioten ruhig und speditiv unter dem Radar des monarchistischen Europas hindurch den modernsten Staat des Kontinents. Wenn man unbedingt auf eine Periode der Schweizer Geschichte stolz sein will, dann ist es diese. Und man kann gegenüber all jenen, die sich mit bewusstem oder unbewusstem Zurechtbiegen der historischen Forschung die Eidgenossenschaft von 1291 für ihre Propagandazwecke zu nutzen machen, die Bedeutung des Bundesstaates von 1848 nicht genügend betonen. Dem Landesmuseum gebührt Dank dafür, diese Zeitenwende in den Fokus gerückt und mit grosser Geste illustriert zu haben.

Technisches: Das Landesmuseum Zürich hat die wohl beste ÖV-Anbindung aller Schweizer Museen: In Zürich HB aus einem der zahllosen Züge steigen, zum Perronkopf gehen und dann nur noch links raus – voilà. Das Haus ist täglich ausser montags von 10 bis 17 Uhr geöffnet, am Donnerstag sogar bis 19 Uhr.

Antike am Königsplatz

Neulich benutzte ich einen Nachmittag in München, um mir die beiden Tempel der klassischen Archäologie am Königsplatz, die Antikensammlung und die Glyptothek, anzusehen. Da sich mein kurzes Mittagessen mit zwei Kollegen im Franziskaner wegen der dortigen krankheitsverdünnten Personaldecke etwas über Gebühr erstreckte, blieben mir für die beiden Museen zusammen allerdings nur gerade zwei Stunden. Eine radikale Beschränkung auf das Wesentliche war angesagt – alles andere als einfach in diesen Häusern. Bayerns König Ludwig I., der die Vasen- und Skulpturensammlung seinerzeit begründet hatte, wollte sich eine kleine, aber wertvolle Kollektion zusammenstellen lassen: „An Zahl werden die grossen Museen das meinige übertreffen; in der Quantität kann sich nicht, an Qualität soll sich meine Sammlung auszeichnen.“ Dies merkt man den Nachfolgeinstitutionen immer noch an: Ihre Grösse ist überschaubar, die Dichte an Meisterwerken jedoch überdurchschnittlich hoch.

Mein besonderes Interesse galt den Kronjuwelen der Glyptothek, den Giebelskulpturen vom Aphaiatempel in Aegina. Vor ein paar Monaten war ich wieder einmal dort oben; durchaus passend also, jenen sonnig-windigen Besuch bei der Ruine mit der Reverenz an den Skulpturenschmuck im Münchner Regen zu ergänzen. Ich gestehe, dass ich in sprachloser Ergriffenheit vor diesen Kunstwerken stand. Die beiden Ensembles, die zu den besterhaltenen griechischen Giebelskulpturen zählen, dokumentieren eine Scharnierzeit der griechischen Kunst: das eine die letzte Stufe der archaischen Epoche, hinter deren Strenge wahrnehmbarer als zuvor das Leben pocht; das andere, um ein Weniges jüngere, das In-sich-Ruhende der frühesten Klassik mit ihrer gebändigten Bewegung und meisterhaften Komposition. Die Figuren sind überraschend klein und von überwältigender Schönheit; der Marmor glitzert, die Oberflächen sind makellos. Die Wiederbegegnung mit den Aegineten war einer der grossen Momente meiner Museumserfahrungen.

Es wäre noch von vielen anderen Höhepunkten zu berichten: von den Porträts, Grabreliefs und Jünglingsstatuen in der Glyptothek; vom atemberaubenden Netzglasbecher; von den frühen rotfigurigen Vasen der sogenannten Pioniere mit ihrem erfolgreichen Ringen um die Darstellung des Menschen und ihrer unbeschwerten Kollegialität und Rivalität. Erwähnt sei hier aber vor allem die Geschichte der Glyptothek. Ein Blick auf alte Fotos und in die entsprechenden Akten zeigt, wie im 19. Jahrhundert ein idealtypisches Antikenmuseum eingerichtet wurde. Die Säle, in ihrer Form teilweise antiken Innenräumen nachempfunden, waren farbig ausgemalt und reich dekoriert. Die Antiken wurden weniger nach historischen, als vielmehr nach dekorativen Gesichtspunkten auf die Räume verteilt und angeordnet. Klassische Bedeutung in der Rezeptionsgeschichte hat die Ergänzung der Aegineten durch Bertel Thorvaldsen, der letzte solche Versuch an einem wichtigen antiken Ensemble; aus heutiger Sicht natürlich kritisiert, aber gleichzeitig ein herausragendes Dokument des Klassizismus, jener Epoche, die antike und zeitgenössische Skulptur nicht als Gegensätze, sondern als Teile einer Gesamtkunst verstand. Die „Verschlimmbesserungen“ wurden längst wieder entfernt und der dokumentierte Ursprungszustand so gut wie möglich wiederhergestellt. Die reichen Säle der Glyptothek ihrerseits wurden durch die Bomben des Zweiten Weltkriegs zerstört. Der Wiederaufbau stellte die Bauvolumina wieder her, verzichtete aber auf jeglichen Dekor; nur leicht geschlämmte, nackte Ziegelmauern umgeben jetzt in gebührender Zurückhaltung die Statuen.

Technisches: Glyptothek und Antikensammlung am Münchner Königsplatz (ein paar Minuten zu Fuss oder eine Station weit mit der U2 vom Hauptbahnhof) sind dienstags bis sonntags von 10 bis 17 Uhr geöffnet, donnerstags sogar bis 20 Uhr. Das Kombiticket für beide Häuser kostet sagenhafte 5,50 €! Bei schönem Wetter lockt ein Café im Hof der Glyptothek. Aus Zeit- und Wettergründen musste ich für Kaffee, Kuchen und Apéro eine Alternative ausserhalb der Museen suchen und habe sie in der sympathischen Brasserie Treznjewski wenige hundert Meter weiter nördlich gefunden.

Als Andenken an meinen Besuch habe ich in der Glyptothek den sehr schön gestalteten Katalog von Raimund Wünsche erstanden: Glyptothek München. Meisterwerke griechischer und römischer Skulptur. München, C. H. Beck 2005. ISBN 3-406-42288-8.

Mehr Licht!

Wer je auf der Athener Akropolis war, kennt den schmucklosen Flachdachbau, der sich hinter dem Parthenon in einer Felsvertiefung an die Befestigungsmauer schmiegt. In den engen Sälen dieses unprätentiösen Gebäudes, des alten Akropolismuseums, drängten sich ungezählte Kunstwerke, die zum eindrücklichsten gehören, was wir von der griechischen Antike kennen: Giebelskulpturen von den ersten Monumentalbauten aus historischer Zeit; die spektakulär erhaltenen archaischen Statuen wie zum Beispiel die Koren mit ihrem geheimnisvollen Lächeln; und die Bauskulptur des Parthenons – jedenfalls das, was Lord Elgin davon übrig gelassen hatte. Was auf dem Heiligen Felsen gefunden worden war, war hier in unmittelbarer Nähe ausgestellt. Das Haus war mein Lieblingsmuseum in Griechenland, ein Fixpunkt bei jedem Besuch, und ohne Diskussion trotz der kritischen Platzverhältnisse eines der bedeutendsten archäologischen Museen der Welt. Man kann sich deshalb denken, dass ich nicht nur begeistert war, als sich das Projekt eines neuen, grösseren Akropolismuseums südlich des Burgbergs zu konkretisieren begann, und dass ich vor zwei Jahren den Transport der unschätzbaren Werke in blauen Containern, die an hohen Kränen baumelten, mit gemischten Gefühlen verfolgte.

Mit entsprechend grosser Erleichterung kann ich nun berichten, dass das neue Akropolismuseum ein grosser Wurf ist, ein moderner, grosszügiger Bau, der seinem unschätzbaren Inhalt in jeder Weise gerecht wird. Die auf ein Mehrfaches vergrösserte Ausstellungsfläche erlaubte es, nie Gesehenes aus den vollen Depots ans Licht zu holen. So illustrieren gleich nach dem Eingang viele Kleinvotive die verschiedenen (seit kurzem auch selber wieder zugänglichen) Heiligtümer von den Abhängen der Akropolis: kleine Kultstätten, oft nur auf eine Grotte beschränkt, aber sehr populär und mit dem Alltagsleben der antiken Athener aufs innigste verbunden. Erstmals in der jetzigen Breite präsentiert werden aber auch die Funde aus mykenischer und geometrischer Zeit sowie die Weihgeschenke aller Art, auch die weniger spektakulären. Die altbekannten Highlights des Akropolismuseums wie die archaischen Statuen vermitteln immer noch den gleichen Eindruck einer grossen Überlieferungsfülle, haben aber in der lockeren Aufstellung mehr Luft und mehr Licht. Die Karyatiden, einst beim Ausgang hinter eine Glasscheibe gezwängt, sind gar erstmals rundum sichtbar. Vermisst habe ich im neuen, grosszügigen Saal der archaischen Bildwerke einzig die intime, direkte Quervergleiche ermöglichende Anordnung der Koren nebeneinander in einem Halbkreis. Die Erklärungen sind mit grossem Sachverstand verfasst, knapp gehalten und diskret gesetzt – für den Laien eventuell zu knapp und zu diskret, aber diese Zurückhaltung gibt den Kunstwerken den notwendigen Raum, für sich selber sprechen zu können.

Mit Worten gar nicht adäquat zu beschreiben ist der spektakuläre Parthenon-Saal ganz zuoberst. Der verglaste Quader hat die Dimensionen des Parthenons und dessen Orientierung, weswegen er zum restlichen Baukörper um rund 20 Grad gedreht ist. Der Ausstellungssaal legt sich um das Atrium herum und folgt von aussen der massstabsgetreu rekonstruierten Parthenonfassade auf der Höhe der Bauskulptur. Das liest sich alles wenig überraschend, ich weiss – aber sich Aug in Auge mit den Giebeln, Friesen und Metopen zu finden, ihre Dimensionen und ihre Details zu bestaunen und mit dem Blick durchs Fenster die Verbindung zum erstaunlich nahen Original herstellen zu können, ist ein atemberaubendes Erlebnis. Nebenbei wird an Hand der Abgüsse der anderswo, vor allem im British Museum aufbewahrten Bauglieder auch der Phantomschmerz über diesen Kunstraub viel deutlicher spürbar als zuvor. Für die alte Forderung nach Rückgabe der Elgin Marbles hat die griechische Regierung jetzt jedenfalls ein wichtiges Gegenargument (das des fehlenden Ausstellungsraumes) entkräftet und ein neues eigenes Argument aufgestellt.

In das vornehme und historisch befrachtete Makrygianni-Quartier südlich der Akropolis mit seinen repräsentativen Bauten, schicken Hotels und eleganten Mietshäusern ein Museum in diesen Dimensionen hineinzirkeln zu müssen, grenzt an architektonischen Selbstmord. Der in New York lebende Schweizer Bernard Tschumi hat die Gratwanderung zwischen Gigantismus und Selbstverleugnung mit viel Gespür für das gewachsene Umfeld gemeistert. Der massive, grossvolumige Bau versteckt sich nicht, wirkt aber, vor allem von der Akropolis aus gesehen, überraschend diskret und elegant, wenn er auch von Süden her seine Masse nicht verbergen kann. Einzig die pharaonische Eingangsüberdachung ist ein unnötiger Overkill, funktionslose Architektur um der Architektur willen. Die Säle sind grosszügig, selbst für die riesigen Besuchermassen des Eröffnungsjahres. Die Auxiliareinrichtungen sind dem Standard des Hauses angemessen: genügend Toiletten, zwei gutsortierte Shops, eine Cafeteria mit Terrasse und spektakulärer Aussicht. (Diese Aussicht wäre übrigens beinahe zum Vorwand geworden, zwei denkmalgeschützte Art-Déco-Mietshäuser an der Dionysiou-Areopagitou-Strasse abzureissen, da sie der optischen Kommunikation zwischen Museum und Akropolis im Wege stünden. Die Gefahr scheint gebannt; und nach dem Museumsbesuch scheint mir die Idee noch abwegiger, als sie es zuvor schon war...) Und das ist noch nicht alles: Der gewaltige Bau schwebt inmitten von Orangen- und Olivenbäumen auf Dutzenden Betonsäulen über dem historisch befrachteten Untergrund, einem ehemaligen Wohn- und Gewerbequartier, das vorgängig freigelegt wurde. Über gläserne Böden stellt das Museum eine Verbindung in viele Jahrhunderte der Geschichte seines Standorts her, die in Bälde noch besser zugänglich gemacht werden soll. Beschwingt hoch über den Mauerresten flanierend freue ich mich bereits auf den nächsten Besuch.

Technisches: Das Akropolis-Museum befindet sich an der Dionysiou Areopagitou 15 (Metro: Linie 2, Station Akropolis). Es ist täglich ausser Montags geöffnet von 8 bis 8 Uhr; ich empfehle allerdings den Besuch bei Tageslicht. Noch bis zum 31. Dezember 2009 gilt der Eröffnungspreis von 1 Euro. Die teils beträchtlichen Warteschlangen lassen sich durch den Online-Ticketschalter elegant und einfach vermeiden.

Unbekannte Ahnen

Staunen bei der Lektüre des Prospekts zur Ausstellung Kunst der Kelten: Es handelt sich um eine Weltpremiere; noch nie zuvor war die keltische Kunst in ihrer ganzen zeitlichen Tiefe und Entwicklung in einer Ausstellung gezeigt worden. Im Schatten der gleichzeitigen klassischen Kulturen Griechenlands und Roms, ohne eigenen Staat mit entsprechender Repräsentationskunst und vor allem ohne eigene Literatur, haben die Kelten in unserem kollektiven Unterbewusstsein wenig Spuren hinterlassen. Von Archäologie und Geschichtsforschung bis in jüngster Zeit oft vernachlässigt, ist uns dieser wichtige Teil unseres Erbes nur fragmentarisch bekannt. Das Historische Museum Bern hat es unternommen, diese Lücke zu füllen. Es hat dabei mit der grossen Kelle angerichtet, keinen Aufwand gescheut, die spektakulärsten Leihgaben aus der Schweiz, Deutschland und Frankreich zu beschaffen – und konnte die Ausstellung mit einem Paukenschlag eröffnen: Das Fürstengrab von Hochdorf, die unversehrt erhaltene Grablege einer mächtigen Persönlichkeit, verliess zum ersten Mal das Landesmuseum Württemberg. Der neugeschaffene Platz im Museum (genauer: im Kubus) zahlte sich hier aus. Grosszügig waren die vielen reichen Grabbeigaben ausgestellt, ein Modell verdeutlichte den Grabungszusammenhang, und die Informationstafeln in der BHM-typischen Prägnanz und Dichte erläuterten das Gezeigte. Danach wand sich der Weg der Chronologie nach von 700 v. Chr. bis 700 n. Chr. durch die vielen Ad-hoc-Räume. Es sprachen hauptsächlich die Objekte, klug unterstützt durch die Technik: Unzählige Bildschirme wurden verbaut, auf denen Motivanalysen verborgene Details der Objekte ins Licht rückten und im Direktvergleich Verwandtschaften und Entwicklungen aufzeigten. Weitere Kurzfilme boten jeweils eine Einleitung in jede Epoche.

Wir lernten, dass die eigenwillige und eigenständige Kunst der Kelten stark ornamental geprägt war. Auf eine Frühphase mit geometrischen Mustern folgte die Entdeckung der Wellenlinie, die sich in immer eindrücklichere Dekorationen weiterentwickelte. Anregungen aus importierten Kunstwerken wurden aufgenommen, wenn auch zaghaft und langsam. Die Götter- und Heldenwelt, ja die gesamte Ikonografie, verstanden wir kaum; rätselnd standen wir vor archaisch, gelegentlich bizarr anmutenden Darstellungen von Figuren und Tieren. Die hohe Qualität vieler Stücke war freilich problemlos evident, ebenso wie die Originalität vieler künstlerischer Schöpfungen. In römischer Zeit erfolgte jene Verschmelzung der Stile, die als gallo-römische Kunst bekannt ist und bei der unter der römischen Oberfläche keltische Eigenheiten und Traditionen durchscheinen. Wellenlinien und Ornamentik blühten ein letztes Mal im Frühmittelalter, in den Rückzugsgebieten der Kelten, in der berühmten irischen Buchmalerei.

Die Ausstellung war didaktisch hervorragend aufgebaut. Gute zwei Stunden haben wir uns (zusammen mit unzähligen anderen Interessierten) durch 14 Jahrzehnte keltischer Kunst durchgesehen und -gestaunt, ohne dass uns die Zeit lang oder die Beine müde geworden wären. Die präsentierten Spitzenstücke und die Reduktion der komplexen Thematik auf ein paar wenige, entscheidende Aussagen hinterliessen einen abgerundeten, bleibenden Eindruck.

Technisches: Die Ausstellung hat ihre Tore am 18. Oktober geschlossen. Angekündigt ist eine Wiederaufnahme im Landesmuseum Württemberg in Stuttgart, vom September 2012 bis zum Januar 2013. Der Katalog zur Ausstellung, herausgegeben vom Vater der Ausstellung und Kelten-Spezialisten Felix Müller, ist bei NZZ Libro erschienen.

Mosaik der Vergangenheit

Die Freiburger Kantonsarchäologie stellt diesen Sommer in Charmey und Bulle in einer Doppelausstellung archäologische Funde aus dem Greyerzerland vor. Indirekter Anlass für die Ausstellung ist die bevorstehende Fertigstellung der H189, der Umfahrungsstrasse von Bulle [die hat tatsächlich eine eigene Website!?] – und damit ist eine der Kernaussagen bereits angesprochen: dass archäologische Forschung nämlich ausserhalb der ganz grossen Höhepunkte immer Fragment und Flickwerk ist. Im Greyerzerland sind es insbesondere die Grabungen entlang der Autobahn A12 und eben in den letzten Jahren der H189, die eine Spur des Verständnisses durch die Landschaft gelegt haben; ergänzt wird diese durch punktuelle Aktivitäten, Notgrabungen und geplante Forschungen. Prospektionen, Objekte, Stratigrafien steuern jeweils ihr Steinchen bei zu einem wachsenden Mosaik, das mit jeder neuen Erkenntnis ein kleines bisschen deutlicher wird.

Im Musée gruérien in Bulle öffnet ein weites Panorama von La Roche bis Vuadens den Blick in den Bezirk Gruyère. Die bekannten Fundplätze aus allen Epochen von der Jungsteinzeit bis in die frühe Neuzeit sind über die Gegend gesprenkelt und mit charakteristischen Funden vertreten. Einzelne geografische Schwerpunkte zeichnen sich ab, so für die römische Zeit eine Siedlungskonzentration westlich der Saane bei Marsens und Riaz, wo ein Tempel als kultischer Mittelpunkt, eine Handwerkersiedlung und verschiedene villae (Gutshöfe) ergraben worden sind. Die politische Geografie des Mittelalters akzentuieren die abgegangenen und noch stehenden Burgen, allen voran Gruyères. Drei Themen werden in gesonderten Räumen vertieft. In meditativem Halbdunkel zeugen Grabbeigaben und Rekonstruktionen von den Begräbnissitten in vorgeschichtlicher und römischer Zeit. Eine Vielfalt von Metallobjekten, Verhüttungsabfällen und Werkzeugen legt den Schluss nahe, dass die Siedlung von Marsens von Schmieden bevölkert war. Den Blick auf die städtische und neuzeitliche Archäologie lenkt schliesslich die Keramik, die ab dem 14. Jahrhundert in Bulle produziert wurde: Ofenkacheln und Geschirr aller Art.

Nach dem Ausstellungbesuch blieb ein Viertelstündchen für einen Auffrischungsrundgang durch die Dauerausstellung des Musée gruérien. Der knirschende Kokosläufer und die sattgrüne, tiefer gehängte Decke atmen den unverkennbaren Charme der frühen Achtziger Jahre; aber die Ausstellung ist überraschend gut gealtert. Ein Heimatmuseum im besten Sinn des Worts, zeigt das Museum Geschichte und Tradition eines kulturell einheitlich und charakteristisch geprägten Raumes. Die Präsentation in freistehenden thematischen Gruppen ist heute nichts besonderes mehr, aber in seinen Anfängen muss das Haus absolute museografische Avantgarde gewesen sein. Gealtert hat freilich das Ausstellungsgut: Währenddem vor dreissig Jahren die gezeigten Objekte, Bräuche und Traditionen einer grossen Mehrheit der BesucherInnen noch aus eigener Anschauung vertraut waren und nicht mehr als knapp skizzierte, poetische Legenden benötigten, müsste eine kommende Überarbeitung der Dauerausstellung der Tatsache Rechnung tragen, dass das heutige Publikum eine zusätzliche Erklärungsschicht benötigt: Die fortschreitende Säkularisierung dieses kulturell ehedem sehr geschlossenen Gebiets und der starke Zuzug der letzten Jahre haben zu einer neuen Publikumsgeneration geführt, für welche die Exponate vollends zu Museumsstücken geworden sind.

Technisches: Die Sonderausstellung ist noch bis am 25. Oktober geöffnet; als Begleitung ist auch ein Katalog erschienen (Découvertes archéologiques en Gruyère: quarante mille ans sous la terre. ISBN 978-2-8399-0532-9). Das Musée gruérien liegt direkt hinter dem Schloss von Bulle in einem reizvollen kleinen Park. Neben der Dauerausstellung werden regelmässige Sonderausstellungen gezeigt. Das Haus ist täglich ausser montags von 14 bis 17 Uhr geöffnet, an Werktagen auch von 10 bis 12.

Im Dunkeln tappen

Das Kunsthistorische Museum Wien ist zusammen mit seinem Pendant, dem Naturhistorischen Museum, nicht nur ein seinem herrschaftlichen Standort angepasster Palast, sondern auch eines der ersten Grossmuseen, das eigens zu diesem Zweck gebaut wurde. Die monumentale Architektur weckt Erwartungen, die das Gebäude selber im Inneren mehr als erfüllt. Über ein prächtiges, mit Skulptur und Malerei dekoriertes Treppenhaus gelangt man in hohe Säle. Fresken von Grotesken und überbordender, goldglänzender Stuck schmücken die Gewölbe. Das Museum ist gewissermassen sein eigenes spektakulärstes Exponat und würde auch leer einen Besuch rechtfertigen. Darüber hinaus beherbergt es aber eine der bedeutendsten Sammlungen der Welt. Bei meinem letzten Besuch in Wien war die Antikenabteilung in Renovation, worauf ich mich, mit unerwarteter Ausdauer sowie einem hervorragenden Audioguide gewappnet, stundenlang zwischen den Alten Meistern herumtrieb. Dieses Mal wollte ich endlich die Altertümer sehen.

Die Sammlung besticht zunächst durch ihre thematische Breite. Gut vertreten sind neben den üblichen Verdächtigen einer solchen Kollektion, den griechischen Vasen, römischen Porträts und Konsorten, vor allem die vorrömischen Kulturen Italiens sowie die zyprische Kultur. Dies verleiht der Ausstellung eine zeitliche und thematische Breite, welche sich am anderen Ende des Spektrums bis zu byzantinischen und frühmittelalterlichen Denkmälern erstreckt. In diesem Jahrhunderte überspannenden Reichtum funkeln viele Glanzlichter. Ein spezielles Vergnügen sind für mich in solch renommierten Häusern immer die Stücke, die ich aus der Literatur schon kenne und dann endlich zum ersten Mal im Original vor mir sehen kann. So genoss ich in Wien besonders die Reliefs vom Heroon von Trysa, den Stamnos des Brygos mit Hektors Lösung oder die spektakuläre Gemma Augustea.

Nicht auf der Höhe der Exponate war hingegen die Museografie. Im Rahmen der Restauration und Neueinrichtung der Säle sind hier viele energische Akzente gesetzt worden, die sich aber leider oft als nicht sehr praktisch erweisen. Dies gilt zunächst für die Anordnung des Rundgangs, die uns etwas unvermittelt und unklar erschien. (Zur Verwirrung trägt auch die in Gold gefasste, ursprüngliche Beschriftung der Säle bei, die den nach Orientierung suchenden Besucher leicht in die falsche Richtung gehen lässt.) Es gilt aber vor allem für den Entscheid, die Säle der altitalischen und -ägäischen Kulturen sowie der Kleinkunst dunkel zu halten und nur die Objekte mit gezielt gesetztem Licht herauszuschälen. Die weihevoll-magische Stimmung passt zwar gut zu den grossartigen Räumen, aber das Besuchserlebnis leidet unter der zu extremen Umsetzung der Idee: Einige Objekte sind so sparsam ausgeleuchtet, dass ihre Schauseite zwar gut sichtbar ist, die Rückseite sich aber nur schemenhaft im Halbschatten abzeichnet. Gerade bei Vasen ist das natürlich eine Todsünde. Nur halbwegs gelungen ist auch der museografische Einfall, bei den unteritalienischen Vasen mit einem raumhohen, vollgestellten Glasschrank die Massenproduktion und den Überfluss der Magazine zu inszenieren. Der Effekt gelingt zweifellos, aber der Frust darüber, mehr als die Hälfte der Exponate nicht adäquat betrachten zu können, trübt die Freude an dieser Vitrine. Was anderswo funktioniert (beispielsweise in den niederen Räumen des ehemaligen Luzerner Zeughauses, im schaulagerartigen Historischen Museum), stiftet in den palastartig hohen Sälen des KHM eher Verwirrung.

So hinterlässt die Neugestaltung der Antikensammlung den etwas schalen Nachgeschmack eines ambitionierten, aber nicht immer genügend durchdachten Vorhabens. Aber gemach: Der Reichtum der Sammlung und die Pracht der Räume holen das Museum da locker wieder heraus.

Technisches: Das Kunsthistorische Museum Wien kann man kaum übersehen; es steht am Maria-Theresien-Platz zwischen Neuer Hofburg und Museumsquartier. Der Eintritt kostet 10 EUR; alle weiteren praktischen Informationen finden sich auf der gut gemachten Website. Besonders zu empfehlen ist nach dem anstrengenden Museumsbesuch eine Pause im edlen Museumscafé oben im Kuppelsaal.

Kirchliche Unterwelt

Eine Dienstreise nach Genf hat mir endlich die Gelegenheit gegeben, die archäologische Stätte unter der Kathedrale Saint-Pierre zu besichtigen. Als erstes erwies ich allerdings der Kathedrale selber die Reverenz: Wie erstaunlich, nach einem Rundgang um diese vielgegliederte Kirche mit ihren ungleichen Türmen, den Anbauten, der Nebenkapelle und der klassizistischen Front im Inneren einen klaren, reinen, verständlichen Raum zu betreten! Die massiven Pfeiler lassen ihn etwas gedrungen, aber nicht ohne Eleganz erscheinen.

Um es gleich zu sagen: Von Klarheit kann im Untergrund nicht mehr die Rede sein. An der Stelle der heutigen Kathedrale standen im Frühmittelalter bis zu drei Kirchen und ein Baptisterium, darum herum der gesamte bischöfliche Komplex mit Klerikerappartements und Repräsentationsräumen. Und in vorchristlicher Zeit scheint der Ort auch bereits heilig gewesen zu sein – jedenfalls wurde die Grabstätte eines Allobroger-Fürsten gefunden, an welcher offensichtlich über Jahrzehnte oder Jahrhunderte des Verstorbenen gedacht worden war. Das preisgekrönte Museum betreibt einen grossen Aufwand, das verwirrliche Geflecht von Mauern aus sechs Jahrhunderten gedanklich zu entwirren. Ein gut beschilderter Rundgang führt auf Brücken und Passerellen über die Mauerlandschaft; Pläne, Modelle und Rekonstruktionen erläutern das Layout; ein Audioguide bietet kurzgefasste Zusatzinformationen; und Videos verdeutlichen einige besonders wichtige Punkte.

Richtig klar wird es auch dann nicht. Die Stätte ist einfach zu komplex, um in einem Anlauf und in dieser reduzierten, flachen Optik erfasst zu werden. Zur Veranschaulichung: Der Farbcode, der die einzelnen Bauphasen in den Steinen markiert, besteht aus zehn Farben – das haut den aufmerksamsten Besucher um. Vielleicht wäre diesem etwas geholfen, wenn Code und Übersichtsplan im Prospekt abgedruckt wären; aber die Analyse dieser Grabung ist auf jeden Fall harte intellektuelle Arbeit. Bevor das hier jedoch in Lamento ausartet, sei sogleich nachgeliefert, dass sie zugleich auch Spass macht. Erkenntnisgewinn liegt nämlich durchaus drin. So anschaulich wie in Genf wird hierzulande beispielsweise selten, wie sich im Lauf der Jahrhunderte durch Zerstörungen und Neubauten die Schichten mächtig übereinander gelegt haben, wie unsere Vergangenheit nicht einfach unter der Oberfläche, sondern auch viel tiefer liegt. Und nirgends sonst in der näheren Umgebung ist die von Liturgie und Macht geprägte bauliche Komplexität eines frühmittelalterlichen Bischofssitzes so gut ablesbar wie an dieser Stadt in der Stadt mit ihren verschiedenen Kirchen für verschiedene Funktionen, mit ihrem skulpturalen Schmuck, mit dem grossen Mosaikfussboden des Empfangssaales. Dass am gleichen Ort, direkt über dieser historisch bedeutenden und didaktisch wertvollen Stätte, Jahrhunderte später Calvin gelehrt und damit das Christentum weltweit umgestaltet hat, ist dann gleichsam die gedankliche Verlängerung des Museumsbesuchs in die Neuzeit hinein. Aus dem Kathedraluntergrund gibt es übrigens passenderweise einen direkten Durchgang zum benachbarten Musée de la Réforme (Vorsicht beim Klicken, Calvin legt gleich los).

Die Grabungen begannen 1976 und dauern weiter an. Die Inszenierung der archäologischen Stätte wurde 2006 erneuert und den letzten Erkenntnissen angepasst. (So ist das Fürstengrab mitten in der Ausgrabung erst vor wenigen Jahren freigelegt worden.) Dies ermöglicht da und dort einen aufschlussreichen Blick auf die Interpretationsgeschichte: Das Stadtmodell des 6. Jahrhunderts ist durch neue Funde am Abhang zum See bereits überholt; der Audioguide weist darauf hin und erläutert in Ergänzung des Modells den aktuellen Wissensstand. So steht zu hoffen, dass in einigen Jahren das Bild von der Frühzeit der Kathedrale in diesem lebendigen Museum wiederum ergänzt und verdeutlicht wird.

Technisches: Die Kathedrale Saint-Pierre erreicht man entweder direkt mit dem Minibus Nr. 36 oder einfacher zu Fuss von einer der Haltestellen rund um den Stadthügel (Molard, Croix Rouge oder Place Neuve – siehe www.tpg.ch). Der Abstieg ins Museum befindet sich rechts vor der Fassade. Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags von 10 bis 17 Uhr geöffnet. Im Eintrittspreis von 8 Franken ist der empfehlenswerte Audioguide inbegriffen. Ein Kombiticket umfasst zusätzlich das Musée international de la Réforme und den Turm der Kathedrale.

Insektenbankett und Kloster bei Kerzenlicht

So begeistert ich von der Idee einer Museumsnacht bin, so selten raffe ich mich dazu auf, mich an diesem einen bestimmten Abend mit Hundertschaften anderer Begeisterter durch Museen zu zwängen, die ich mir an allen anderen Tagen in Ruhe und mit der nötigen Musse ansehen könnte. Als aber am letzten Samstag in Freiburg die allererste Museumsnacht stattfand, wollte ich dann doch nicht zuhause bleiben. Das Programm war viel versprechend: Sechzehn Häuser – welch glückliche Stadt! – luden zu Attraktionen aller Art in und um ihre Sammlungen und Ausstellungen ein, neben eigentlichen Museen auch andere kulturelle Institutionen (was einen grossen Teil des Reizes einer solchen Nacht ausmacht).

Um es gleich zu sagen: Ich war nicht der einzige Begeisterte. Mit zwei- bis dreitausend Interessierten hatten die Organisatoren gerechnet; verkauft wurden schliesslich viertausend der gelben Armbänder. Der grosse Publikumsaufmarsch und die Unwägbarkeiten der Premiere bescherten mir einen etwas harzigen Start: Die Führung zu Pflanzen und Insekten im Botanischen Garten war zwar informativ, aber auch ein wenig ungelenk. Im Staatsarchiv fand ich keinen Platz mehr im Rundgang durch die Magazine. Und im Bibel+Orient-Museum war vom publizierten Fahrplan nicht viel zu spüren (dafür hatte ich das Privileg einer Führung durch Othmar Keel höchstselbst). All dies wurde jedoch vergessen gemacht durch das Schlussstück meines Abends, die „Abschiedsprozession“ durch das ehemalige Augustinerkloster. Die kantonale Denkmalpflege hat damit ihren Räumlichkeiten, aus denen sie in absehbarer Zeit ausziehen wird, einen würdigen Vor-Abschied bereitet, und zudem den Reiz einer Museums-Nacht ideal ausgekostet: Der Rundgang fand nämlich bei Kerzenlicht statt. Mit Leuchtern und ein paar verteilten Taschenlampen (zur stolperfreien Überwindung von Stufen und Schwellen) bahnten wir uns einen Weg durch das Labyrinth der Gänge und Räume. Das war eine eigentliche Prozession durch die Zeit, von der Gotik bis zum Beton des frühen 20. Jahrhunderts. Das Zimmer des Priors und das spektakuläre Sommerrefektorium strahlten barocken Glanz aus; in den Kellern waberte noch der charakteristische Aktenduft durch die leeren Regale des ehemaligen Staatsarchivs; und der idyllische Innenhof ist untrennbar verbunden mit der ganz und gar nicht idyllischen Erinnerung an die Guillotine, die hier vor hundert Jahren noch einen Verbrecher in den Tod beförderte. Über den Garten gelangten wir zum Schluss aus den Klostermauern hinaus und in die Kirche hinein. Die schwach flackernden Kerzen hoben schemenhaft einzelne Formen der berühmten Altäre aus dem Dunkel und reflektierten sich magisch auf den Vergoldungen.

Ich hätte mich nun noch im Naturhistorischen Museum am Insektenbankett laben können, aber nach vier Stunden Museumsnacht hatte ich müde Beine und beschloss, es gut sein zu lassen. Nächstes Jahr ist auch noch ein Jahr, und eine Neuauflage ist bereits angekündigt.

Haller

Zu Beginn das Bild einer Kunstkammer, eines Bibliothekssaales also voller Kunstwerke und Kuriositäten aus der Natur; am Schluss ein Naturalienkabinett mit der geordneten Systematik der Biologie. Dazwischen liegt das 18. Jahrhundert, und dazwischen liegt die Ausstellung, welche das Historische Museum Bern jener Person gewidmet hat, die wie kaum eine zweite diesen dramatischen Übergang von einer universalen Gelehrsamkeit zur Fachwissenschaft verkörpert hat: Albrecht von Haller. Als Universalgelehrter ist er bekannt, und ein Genie war er zweifelsohne – doch zugleich hat er als Spezialist in gerade neu entstehenden wissenschaftlichen Disziplinen wie der Botanik und der Embryologie deren Herausbildung entscheidend vorangetrieben. Hallers dreihundertster Geburtstag war Anlass nicht nur für umfangreiche Forschungen, Publikationen und Begleiterscheinungen, sondern auch zu dieser Ausstellung, die einem der grössten Berner seinen verdienten Platz in der europäischen Geistesgeschichte zuweist. Nachgezeichnet werden zunächst sein Werdegang, seine wunderkindliche Genialität, seine Studienjahre in Tübingen und Leiden; dann die gewaltige Fussnote seines Lebens, die Alpenreise und das Gedicht Die Alpen (das en passant der Naturbegeisterung, dem Tourismus und mithin dem Reichtum der Schweiz gewaltigen Vorschub geleistet hat); und schliesslich im Detail seine wissenschaftliche und berufliche Laufbahn.

Ich weiss um die Berner Krankheit (die sich auch im Historischen Museum von Zeit zu Zeit manifestiert), Bern für den verkannten Mittelpunkt des Universums zu halten. In diese Kategorie könnte man auch die Installation auf dem Zugang zur Ausstellung verbuchen, in der Hallers Alpen in der Reihe jener 70 Bücher präsentiert werden, welche nach Dietrich Schwanitz die Welt am meisten verändert haben – allein, es ist tatsächlich etwas spezifisch Bernisches an Haller. Denn der grosse Gelehrte, der sich selber und seiner jungen Universität Göttingen im jungen Alter Weltruhm verschafft hatte, der durch Sektion, Tierversuch und Analyse Wegweisendes entdeckt und sich mit den grossen Wissenschaftlern seiner Zeit darüber ausgetauscht hat – dieser Haller kehrte 1753 ins patrizisch-verkrustete heimische Bern zurück, um dort zunächst als Rathausamtmann, dann als Salzdirektor zu amten. Nicht abgebrochen ist darob in all den Jahren seine wissenschaftliche Kreativität und seine chalkenterische, übermenschliche Schaffenskraft: Fünfundzwanzigtausend Seiten wissenschaftliche Artikel, fünfzehntausend Briefe an Korrespondenten aus ganz Europa, neuntausend Rezensionen (Angaben aus der Ausstellung, Wikipedia kennt noch mehr), zusätzlich zehn dicke Bände kommentierte Bibliografie der gesamten Medizin und Botanik hat Haller verfasst – ein Brief pro Tag, mehr als eine Artikelseite, alle zwei Tage eine Rezension, sein gesamtes Gelehrtenleben lang. Noch in dessen letzten Zügen, als er, von Krankheit geplagt, seine Schmerzen mit Opium bekämpfen musste, beobachtete er mit unverändertem Interesse die Auswirkungen der Droge und hielt sie in Publikationen fest.

Im Kubus, dem neuen, modularen Ausstellungsraum des Historischen Museums, wurde Haller mit grossem Gestus inszeniert: eine eiskathedralenartige Halle für die Alpenreise, ein Spiegelsaal für das fürstliche Göttingen, warme Farben für das heimelige Bern. Die Ausstellung war didaktisch von gewohnter Qualität und vermittelte ein faszinierendes, mir in dieser Art nicht vertrautes Gesamtbild der Wissenschaft des 18. Jahrhunderts. Aus der wie üblich gutsortierten Museumsbuchhandlung erwarb ich zum abrundenden Weiterlesen das Werk, das in Hallers reichem Wissenschaftsleben fast unterzugehen droht und doch (Schwanitz dixit) von so eminenter Bedeutung war: Die Alpen.

Technisches: Ich kann eine gewisse Schlampigkeit beim Museumsbesuch nicht abstreiten. So habe ich mich auch hier erst eine Woche vor Schluss aufraffen können und komme mit der Rezension einmal mehr zu spät.

Centrale Montemartini

Es ist nicht besonders originell, die Centrale Montemartini für ein spektakuläres und eindrückliches Museum zu halten. Aber ich kann mir nicht helfen: Der Besuch hat mich tatsächlich begeistert. Die Rede ist von einem alten thermoelektrischen Kraftwerk, einem prächtigen neoklassizistischen Industriedenkmal südlich des Zentrums von Rom, das 1912 als erstes öffentliches Elektrizitätswerk auf dem Gebiet der schnell wachsenden Stadt eröffnet und bis in die Fünfziger Jahre regelmässig weiter ausgebaut wurde. In erster Linie produzierte die Centrale Bandenergie über eine mit Kohle alimentierte Dampfturbine von 20 MW Leistung; zu den Spitzenzeiten am frühen Abend wurden zusätzlich die beiden 5-MW-Dieselgeneratoren angeworfen. Ab 1963 wurde das Kraftwerk ausser Betrieb genommen und lag jahrelang brach, bevor es Ende der Achtziger Jahre renoviert und zunächst als Kulturzentrum gebraucht wurde. Die zündende Idee war dann die Verwendung dieses Industriemuseums als provisorischer Ausstellungsraum für die ausgelagerten antiken Skulpturen aus den zu renovierenden Kapitolinischen Museen. Die Originalität und überzeugende Ästhetik dieser Kombination führten zu einer Überführung des Provisoriums in ein dauerhaftes Museum.

Man steigt also an der Station Garbatella aus der Metro der Linie B, überquert das ausufernde Gleisfeld und schlängelt sich zwischen Brachen, Parkplätzen und Schnellimbiss zur Via Ostiense. Schräg gegenüber führt ein schmaler Durchgang auf einen schon fast lieblich zu nennenden, palmenbestandenen kleinen Platz, auf dem sich die markante, elegante Fassade der Centrale Montemartini erhebt. Gleich beim Betreten des Gebäudes empfängt einen der charakteristische Geruch von Maschinen und Motoren. Der erste, der republikanischen Kunst gewidmete Teil des Museums spielt sich gewissermassen im Untergrund ab. Nur da und dort weisen massive Rohre, Schlackensammler und übergrosse Werkzeuge auf die titanischen Vorgänge hin, die sich im Stockwerk darüber abspielten. Über eine schmale Treppe steigt man dann in den Maschinensaal, eine hohe, helle Halle, dominiert von der Wucht der beiden dreifach mannshohen und zwanzig Meter langen Zehnzylindermotoren und den mächtigen Rädern ihrer Generatoren. Aufgereiht rund um diese rohen Giganten der Industriekultur ist der helle Marmor der Skulpturen aus dem Zentrum der kaiserlichen Stadt. Der Kontrast fasziniert auf den ersten Blick. Die Gegenüberstellung der antiken Statuen mit den schwarzen Kolossen lässt ihre Leuchtkraft, ihre Körperlichkeit, ihre Lebendigkeit noch stärker als üblich hervortreten. Gleichzeitig lässt sich durch das Studium der Schaltpulte, Leitungen und Räder das Funktionieren der Motoren und Generatoren nachvollziehen. Das Hin-und-Zurück zwischen Antike und Industriezeitalter sorgt für einen anregenden, unangestrengten Museumsbesuch. Abgerundet wird dieser durch den ebenso imposanten Kesselsaal. Vor einem letzten erhaltenen gemauerten Dampfkessel ganz hinten ist rund um das Jagdmosaik von Santa Bibiana eine Gartenlandschaft mit Statuen und Wasserbecken rekonstruiert, welche die Atmosphäre der horti, der gestalteten Natur inmitten der Stadt evoziert.

Bewunderns- und betonenswert ist, wie hier aus zwei (bereits erstklassigen) Ausgangspunkten ein Ganzes geschaffen wurde, das mehr ist als die Summe seiner Teile. Dazu kommt, dass die Centrale Montemartini etwas abseits der Haupt-Touristenströme, aber in einer spannenden Gegend liegt. Gegenüber, im ehemaligen Zentralmarkt, hat sich ein Kulturzentrum eingerichtet. Und wenige Gehminuten Richtung Zentrum stösst man auf die Stadtmauer mit der Cestius-Pyramide, auf den idyllischen protestantischen Friedhof und den antiken Scherbenhügel des Testaccio.

Bei Grandson das Gut

Karl der Kühne ist, so lernten wir schon in der Schule, eine Schlüsselfigur der ausgehenden Mittelalters. Der militärische Sieg der Eidgenossen über das renommierte burgundische Heer war ein Ereignis von mythenbildender Kraft, und ebenso mythisch waren die Reichtümer, die den Eidgenossen bei Grandson mehr in die Hände fielen als tatsächlich erobert wurden. Dies gilt besonders für den Stand Bern, der in den Auseinandersetzungen mit Burgund eine führende Rolle gespielt hatte, der beim Zank um die Beute die geschicktesten Entscheidungen traf und der aus diesem Ereignis Renommee und Legitimation bezog. Und immer noch bezieht, ist man versucht anzumerken, wenn man die Ausstellung „Karl der Kühne“ im Bernischen Historischen Museum gesehen hat – eine Schau der Superlative, ein multimedialer Ausstellungsevent, eine jener Grossproduktionen, die im internationalen Ausstellungbusiness zurzeit den Standard darzustellen scheinen. Denn zuallererst ist diese Ausstellung eine Schatzkammer mit dem Berner Anteil der Burgunderbeute im Mittelpunkt. Die in jeder Hinsicht monumentalen Tapisserien werden natürlich gezeigt, daneben weitere Meisterwerke der burgundischen Hofkultur, wobei die tatsächlich beeindruckenden Berner Bestände klug ergänzt sind um gewichtige Leihgaben aus ganz Europa. Besonders Wert gelegt wird auf die gegenseitige Durchdringung von Malerei, Bildhauerei, Teppichweberei und Grafik, auf die in Burgund vereinigten Kunstuniversen von Flandern und Italien.

Geblendet von der schieren Pracht und Menge der Schätze, entdeckt man jedoch weitere, weniger offensiv vermittelbare Aspekte. Zu nennen sind hier zunächst die instruktiven Ausführungen zur Hofhaltung und zur modernen Verwaltungsbürokratie, für die Karl der Kühne wesentliche Geburtshilfe geleistet hat. Riesig ist die Zahl der Höflinge und unterhaltsam ist die Aufzählung ihrer Titel: Über tausend Leute standen auf der säuberlichen Lohnliste des burgundischen Hofes.

Zu besonderer Hochform läuft die Ausstellung da auf, wo sie den Prunk der Objekte zur Vergegenständlichung der politischen und psychologischen Bildersprache verwendet. Dargestellt ist dies in der grossen Eingangshalle der Ausstellung am Beispiel des Trierer Fürstentages von 1473, dem diplomatischen Treffen, welches Karl die Königskrone und seiner Tochter Maria den habsburgischen Thronerben Maximilian hätte verschaffen sollen. In Trier kamen dazu die mobilen Höfe des römischen Kaisers und des burgundischen Königs sowie mehrere Kurfürsten zusammen. Das diplomatische Protokoll jener Zeit regelte die Details eines solchen Rituals; jegliche Verstösse dagegen wurden aufmerksam registriert, positiv oder negativ interpretiert, und beeinflussten das weitere Vorgehen. So scheint sich Karl mit seiner massiven Prunkdemonstration keinen Dienst erwiesen zu haben; letztlich scheiterten seine Ambitionen auf den Königsthron, wenn er auch seine Tochter tatsächlich mit Maximilian verheiraten konnte. (Einige berührende Briefe aus der privaten Korrespondenz des Paares sind ebenfalls ausgestellt.)

Im letzten Teil der Ausstellung liegt der Fokus dann auf den Kriegen. Das ist weniger traditionelle Schlachtengeschichtsschreibung als vielmehr Erinnerung daran, dass während des Grossteils der menschlichen Geschichte Kriege und Schlachten eine dauernde Realität waren und dass die überschüssigen Hormone des männlichen Jungvolks ohne Umstände in Freischarenzüge und andere Scharmützel und Brutalitäten münden konnten. Erinnerung daran auch, dass ein Herrscher gewaltigen Prunk als mobile Palastausstattung mit sich führte, damit er zu jedem Zeitpunkt seine Herrschaft demonstrieren konnte. Und damit schliesst sich der Kreis zu jener mythischen Kriegsbeute, die nicht nur die Eidgenossen des 15. Jahrhunderts, sondern auch uns heutige noch blendet.

TECHNISCHES: Die Ausstellung ist in Bern bereits wieder vorbei. Sie lässt sich jedoch vom 27.3. bis am 21.7.2007 im Groeningemuseum in Brügge bewundern; danach reist sie weiter ins Kunsthistorische Museum Wien. Der reichhaltige Katalog ist im Verlag Neue Zürcher Zeitung erschienen.

Nochmals Nabelschau

Der Nabel der Welt hat die Form eines gedrungenen Tannzapfens, ist aus Marmor und nicht ganz einen Meter hoch. Zeus hatte von den beiden Enden der Welt je einen Adler fliegen lassen, und hier, genau in der Mitte, trafen sie sich: in Delphi. Hier, am Nabel der Welt, blühte über die Jahrhunderte eines der wichtigsten Heiligtümer der antiken Welt. Kühn liegt der heilige Bezirk des Apollon am steilen Abhang des Parnass; der Blick schweift über das Tal und die Ebene mit dem grössten Olivenhain Griechenlands bis hinunter zum Meer bei Itea. Im Museum sind all die Schätze verwahrt, welche Staaten, Städte und Würdenträger aus der ganzen damals bekannten Welt dem Gott (und sich selber) darbrachten.

Das letzte Mal waren wir 2003 in Delphi. Schlechtes Timing: In den vorolympischen Monaten wurde in ganz Griechenland die öffentliche Infrastruktur erneuert, und dazu gehören in diesem glücklichen Land neben Autobahnen und Metro auch die Museen. Einzig den Wagenlenker zeigte man uns damals, wie zum Hohn. Entsprechend gespannt war ich diesen Herbst auf das neu gestaltete Museum. Ich gestehe: Es hatte schon gewonnen, bevor ich es sah. So ist dies hier alles andere als ein objektiver Bericht. Zudem war unser Besuch etwas kurz – der Bus von Athen hatte Verspätung gehabt am Morgen, es blieb uns nicht mal eine Stunde für das Museum. Einer guten alten Gewohnheit folgend konzentrierte ich mich vorwiegend auf die archaische Kunst: gewaltig die beiden Jünglingsstatuen, bekannt als Kleobis und Biton, wie sie majestätisch ihren Raum dominieren; ein quicklebendiger Bilderbogen die Friese des Schatzhauses der Siphnier, wo sich archaisch-tänzerisch und zugleich kraftvoll die Schlacht zwischen Göttern und Giganten, der Krieg vor Troja, das Urteil des Paris entfalten; die Karyatide, die einst den Giebel trug, blickt mit mysteriösem Lächeln auf die Reliefs, und hoch thront darüber thront die Sphinx der Naxier... Jedes Stück ein Meisterwerk, der Besuch ein Genuss. (Und welche Überraschung, nebenbei, für einmal in einem griechischen Museum eine gutgelaunte Aufseherin anzutreffen, die sich freundlich mit den Besuchern unterhielt und einem jener technisch Behinderten, die es nicht fertig bringen, auf ihrer Kamera den Blitz auszuschalten, kein schrilles „no flash“ entgegenschleuderte, sondern ihn verständnisvoll auf seinen Lapsus hinwies!)

Später, in Athen, erzählte mir E., ihre Mutter, eine Fremdenführerin, sei vom neuen Museum eher enttäuscht gewesen: Die Aufstellung und Beleuchtung sei suboptimal, die schönen Augen des Wagenlenkers beispielsweise lägen im Schatten. Das, zum Beispiel, hatte ich nicht gemerkt. Ich bin wohl wirklich kein objektiver Berichterstatter. Dass Delphi das am schönsten gelegene griechische Heiligtum und dass sein Museum eines der konzentriertesten, hochstehendsten Griechenlands ist, das hingegen konnte mir nicht entgehen.

Technisches: Museum und archäologische Stätte von Delphi sind im Sommer täglich von 8 bis 19:30 geöffnet (zu einem kombinierten Eintritt von 9 EUR – was sagst du dazu, Historisches Museum Bern?). Die Anreise nach Delphi ist etwas mühsam: Wer nicht mit einer organisierten Reise oder mit dem Privatauto kommt, nimmt in Athen morgens um halb acht den öffentlichen Bus vom Liossion-Busbahnhof und ist auch ohne Stau kaum vor elf in Delphi. Als Trost auf den endlosen Strassen mag das Wissen um die Bedeutung der drei Sterne im Reiseführer dienen: definitiv „eine Reise wert.“

Berner Nabelschau

Was man den Bernern gewiss nicht vorwerfen kann, ist mangelnder Lokalpatriotismus. Die aktuelle Sonderausstellung im Historischen Museum Bern heisst „Berns Weg in die Moderne“, und als roter Faden dient der „Berner Pioniergeist von 1899-2007“: Da verbinden sich über hundert Innovationen, Errungenschaften und Meilensteine aus Politik, Wirtschaft, Wissenschaft und Kultur zu einem Panoptikum des Ruhms von Stadt und Kanton Bern. Eingeleitet wird diese Chronologie durch einen Rückblick auf den Beginn der Moderne um 1800; ergänzt wird sie durch analytischere Schlaglichter auf einzelne Grossereignisse und Epochen, auf gesellschaftliche und politische Entwicklungen und die Befindlichkeitsgeschichte in der Schweiz und der Welt. Besonders eindrücklich fand ich den in Biel produzierten Chevrolet (aus der General-Motors-Fabrik, die von der Stadt in einem innovativen Akt staatlicher Wirtschaftsförderung in der Krisenzeit der Dreissiger Jahre schlüsselfertig zur Verfügung gestellt wurde) und den Überblick über Alltagsdesign im 20. Jahrhundert. (Was übrigens wieder mal zur Frage Anlass gibt, weshalb das Design von hundertjährigen Geräten dermassen himmelweit besser ist als das meiste, was heute in den Geschäften steht. Vielleicht, weil das Aussehen damals noch wirklich von der Funktion und vom Material bestimmt und deshalb auf eine verbindliche Weise ehrlich war? Oder einfach, weil uns das schiere Alter sämtliche Kritik ausblendet? In einer ebenfalls ausgestellten Publikation des Heimatschutzes von 1905 wurden jedenfalls ausgerechnet die grossartigen Hotelpaläste der Belle Epoque am Genfer- und anderen Seen als das Hinterletzte an Landschaftsverschandelung gegeisselt...)

Mit dieser Serie von Pioniertaten spielt das Museum gekonnt eine der grossen Stärken zeitgeschichtlicher Ausstellungen aus: Viele der gezeigten Objekte sind den BesucherInnen aus ihrer eigenen Lebensgeschichte vertraut. Damit wird die wissenschaftliche Aufarbeitung ganz von selbst durch die persönliche Perspektive in einen zusätzlichen Kontext gestellt; der Ausstellungsbesuch wird vielschichtiger, der Besucher zum Mit-Experten. Das Konzept hat allerdings eine deutliche Kehrseite: Wenn hundert Objekte versammelt werden, deren einzig Verbindendes ihre Entstehung in Bern ist, droht Belanglosigkeit. Die Ausstellung ist nicht frei von einer Tendenz zum wenig stringenten Abfeiern der lokalen Genialität, zu einem Panoptikum ohne inneren Zusammenhalt. (Nebenbei bemerkt scheint mir dieses Zelebrieren der eigenen Bedeutung charakteristisch für Städte wie Bern. Oder kann man sich eine Ausstellung „Londoner Pioniergeist“ vorstellen? Oder eine ähnliche Grossschau in einer Kleinstadt wie Fribourg?) Und so ist der stärkste Teil der Ausstellung letztlich der erste Raum, der den politisch-gesellschaftlichen Rahmen für Berns Weg in die Moderne absteckt und die Bedeutung des Epochenwandels um 1800 vor Augen führt. Als riesige Wand begrüssen dort die als „Trachtenbilder“ bekannten Porträts von Josef Reinhard den Besucher. Aber dieses Mal geht es nicht um Folklore. Mit eindrücklichem, souveränem Dreh erhalten die Bilder der Schweizer Landsleute zu Beginn des 19. Jahrhunderts eine neue Interpretation als Porträts derjenigen, die jetzt die Geschicke des Landes in die Hände nehmen, der Bürgerinnen und Bürger. Die Aristokraten des Ancien Régimes sind im engen Raum hinter den ehemals Beherrschten und neu selber Bestimmenden ausgestellt – um nicht zu sagen entsorgt. Und den Wänden entlang zeigen Verfassungs- und Propagandatexte den Weg dieser Trachtenträger durch ein oft wenig beachtetes, aber hochspannendes Jahrhundert von Objekten zu Subjekten der Geschichte.

Technisches: Die Ausstellung „Berns Weg in die Moderne“ ist noch bis am 6. Januar 2008 im Historischen Museum Bern am Helvetiaplatz zu sehen. Als etwas halsabschneiderisch habe ich den Eintrittspreis von 18 Franken empfunden. Natürlich ist da der Eintritt in die ständige Ausstellung und ins Einsteinmuseum auch inbegriffen; aber ehrlich: Nach zwei Stunden intensiven Ausstellungsbesuchs bin sogar ich erst mal erschöpft. Als Ort für Rast und Stärkung empfiehlt sich das edle museumseigene Bistro Steinhalle.